Современное искусство кого-то завораживает и притягивает, а кого-то – отталкивает. Зачастую оно вызывает у неискушённых зрителей вопросы, которые не каждый задаст из страха выглядеть невежественным. Как понять – шедевр перед вами или гора мусора? Почему за картину, представляющую собой хаотичные мазки краски, коллекционеры готовы платить миллионы? В этом «TV Губерния» разбиралась вместе с искусствоведом, учёным секретарем Воронежского областного художественного музея им. И.Н. Крамского Натальей Бакиной.

Что в принципе принято называть современным искусством? В какие временные рамки оно умещается?

Авторство термина «современное искусство» принадлежит влиятельному американскому критику Розалинде Краусс. Она впервые использовала его в конце 1960-х – на Западе эти годы и стали «точкой отсчёта» для новой эпохи в культуре. В России современным искусством принято считать период с конца XIX века до наших дней, включая модернизм и постмодернизм. В 90-х годах у нас довольно часто использовали термин «актуальное искусство», но он не прижился.

Обычный человек приходит на выставку и видит, например, мусор. Как ему это воспринимать?

Прийти на выставку «с улицы» и моментально разобраться в современном, как, впрочем, и любом другом искусстве, не получится. Можно только оценить на уровне нравится/не нравится. Чтобы полноценно воспринимать арт-объект, придётся пройти определённый путь — посетить ряд музеев, галерей, лекций. Важно не бояться задавать вопросы: и себе, и тем, кто представляет искусство (например, экскурсоводам): «Что я вижу перед собой?», «Из каких материалов и в какой технике выполнена эта работа?», «Где ещё я мог видеть что-то похожее?», «Какие эмоции вызывает объект?». Это уже приближает нас к понимани ю замысла автора. Если спрашивать не у кого, внимательно читайте пояснения, которые можно найти у каждого экспоната.

Как отличить талантливые работы современных авторов от неталантливых?

Специального «рецепта» нет. В этом деле очень важна насмотренность: нужно больше читать, размышлять, воспитывать вкус. А ещё не бояться быть открытым новому и почаще вспоминать, что хорошее – не значит привычное. То же можно сказать и по отношению к классическому искусству, при восприятии которого тоже важен внимательный и просвещённый взгляд. Нужно быть ищущим и активным, а не ждать, что «сейчас мне сделают красиво».

Почему чьи-то картины, на которых изображена пара пятен, могут стоить миллионы, а чьи-то – нет?

Цена формируется художественным рынком. На стоимость работы может оказывать влияние имя художника, его известность, время создания произведения, наконец, оригинальность. Например, если сегодня кто-то из художников захочет написать свой «Чёрный квадрат», такая работа ничего не будет стоить, в то время как оригинал — картина Малевича — оценивается в 140 миллионов долларов. Очень влияют на цену предметов искусства оценки профессиональных СМИ, галеристов, коллекционеров… Есть и такое понятие, как мода. Например, в конце 80-х годов XX века в связи с перестройкой на Западе стало модным всё, что связано с советским и русским искусством. Цены на такие произведения били рекорды на всех аукционах. Потом интерес упал.

Современные художники часто устраивают перформансы. Какой смысл в этом виде искусства?

Перформанс максимально доходчиво и образно доносит мысль автора. Зачастую в другом виде искусства это сделать невозможно. Пример – знаменитый перформанс российской художницы Елены Ковылиной «Равенство». Люди разного роста вставали на заранее подготовленные табуретки разной высоты, в результате чего их лица оказывались на одном уровне. С плакатной наглядностью художница раскрывала понятие «равенство» и доказывала, что объективно его в мире нет. А зритель задумывался: может, это лицемерие современного общества?

Инсталляция в понимании большинства — нагромождение необъяснимого. Можно ли научиться «читать» инсталляции?

Обычно автор инсталляции объясняет её содержание в сценарии, который прилагается к работе. Важна высказанная идея и то, как она передана в произведении. В представленной в музее им. Крамского выставке-инсталляции Ирины Затуловской «Бегство в Египет» всё имеет значение. Если эти же вещи просто развесить по стенам, будет другой эффект. У нас они расположены на гранях пирамиды, что подчёркивает связь с Египтом, и выставка сразу получает другой объём. А за счёт того, что работы Затуловской дополнены древностями из нашей египетской коллекции, возникает игра контекстов, устанавливается глубинная связь между историей Египта и современностью.

Думаю, в большинстве своём современные экспозиции и есть инсталляции, над которыми работают архитекторы, светодизайнеры и ряд других специалистов. Сегодня наш визуальный опыт включает просмотр кино, телевизора, использование гаджетов. Всё это влияет на наше восприятие современного искусства и помогает считывать смыслы инсталляций, где много отсылок к популярным жанрам и конкретным произведениям.

Картины, созданные нейросетью, имеют какое-то отношение к искусству?

Такие картины сегодня активно обсуждают. Но я консервативна и считаю, что это не искусство. Нейросеть базируется на анализе метаданных, после чего воспроизводит некий среднестатистический контент. Но у искусства другая природа. Она разнится с природой искусственного интеллекта, который многому научили, но не научили главному – человеческому восприятию мира. Вдумайтесь, когда ещё ничего не было (государства, религии, философии), уже были росписи пещер, которые представляют собой результаты эстетической деятельности людей.

СЛОВАРЬ «TV Губернии»

5 слов, которые нужно знать, чтобы не растеряться на выставке или спектакле

Институция – организация, которая занимается искусством, обслуживает его или продаёт: галерея, издательство, художественная школа и прочее.

Инсталляция — композиция из предметов, особым образом расположенных в пространстве. Это могут быть объекты природного происхождения, бытовые вещи, а также тексты и изображения, на первый взгляд несовместимые друг с другом. Однако художник объединяет их одним смыслом и тем самым превращает в символы.

Перформанс — действия художника или группы, которые проходят в определённом месте в определённое время и обязательно на глазах у зрителей. Впервые так назвали произведение-действие американского художника и композитора Джона Кейджа. В 1950-х он поставил пьесу «4′33″», во время которой музыканты не играли, а зрители должны были слышать только звуки окружающей среды.

Хеппенинг – художественное представление, происходящее спонтанно, непродуманно, но с участием зрителей. Главное отличие от перформанса – отсутствие некого сценария. Исход таких действий предугадать почти невозможно, поскольку условная линия между творцом и наблюдателем полностью стирается.

Иммерсивный – обеспечивающий полный эффект присутствия, погружающий в среду. Сейчас на пике популярности иммерсивные спектакли. Один из принципов такого формата — свобода зрителей и их присутствие внутри постановки. Нет разделения на зал и сцену. Вместо них — единое пространство, по которому гости могут перемещаться наравне с актёрами.